— Duratrans sur caisson lumineux, 108 cm x 80,2 cm x 17 cm

Lonely Surfer Squaw découle d'une image générique de carte postale trouvée issue de la culture populaire américaine montrant une surfeuse à l'allure californienne sur la plage. Cette pièce fait partie d'une série d'œuvres sur caissons lumineux et de cartes postales que l'artiste a recréées en utilisant la même image. Elle s'insère dans cette iconographie en tant pin-up surfeuse des années 1960, sauf que, comme elle le fait remarquer, « Je suis une femme autochtone se tenant dans les Prairies au milieu de l'hiver ». Blondeau regarde l'appareil photo avec insolence dans son bikini en fausse fourrure et ses bottes, en tenant sa planche de surf rose surdimensionnée dans la neige. Elle incarne l'archétype de la bombe surfeuse et déstabilise par son propre sens de la satire les intentions voyeuristes et objectivantes contenues dans de telles images. Bien qu'irrévérencieux, cet acte performatif dans des paysages comme celui dans lequel elle pose détourne la vision véhiculée par les médias omniprésents qui rabaissent et réduisent les femmes autochtones.

Avec l'aimable permission de Remai Modern, Collection de la Galerie d'art Mendel, acquise avec l'aide du Conseil des arts du Canada en 2008.

— Documentation de la performance, 20 min. 27 sec.

Dans COSMOSQUAW, Lori Blondeau poursuit une narration visuelle irrévérencieuse. Il met en scène un personnage fictif et caricatural, Betty Daybird (la petite-fille de Belle Sauvage, un autre personnage de l'artiste), né sous la forme d'une série de cartes postales reprenant une imagerie du début du 19e siècle. Ce support a contribué à la prolifération d'images eurocentriques réductrices et dévalorisantes des femmes autochtones, qui ont alimenté de nombreux stéréotypes toujours répandus, tels que la princesse autochtone ou la squaw, et a été une autre façon de coloniser l'identité autochtone et de la mettre à l'écart de sa réalité et de son histoire. La série de cartes postales de Blondeau adopte une approche satirique astucieuse pour contourner les représentations fictives en utilisant son corps comme moyen de mettre en évidence leur absurdité inhérente. Ses performances en direct ont prolongé ce contre-jeu critique. L'artiste a transformé la galerie en un décor théâtral de Far West du 19e siècle pour son personnage de Betty Daybird, qui est un mélange de personnages autochtones tirés des spectacles du Far West et du Vaudeville. Avec son personnage déjanté, Blondeau conteste les récits prédominants soutenus par la culture populaire à propos de l'identité des Premières nations. Le titre COSMOSQUAW est tiré de la revue féminine Cosmopolitan, que Betty Daybird feint de lire dans le cadre de la performance — la revue étant un autre lieu eurocentrique où les normes de beauté privilégient les teints clairs, jugés comme préférables et dignes. Squaw est un mot indigène qui signifie « femme », mais qui a été utilisé de manière péjorative lorsque les peuples des Premières nations ont résisté aux colonisateurs. En utilisant squaw avec cosmo, Blondeau inscrit les femmes autochtones dans la beauté céleste des étoiles et du cosmos.

Performance présentée dans le cadre du festival Re-Inventing the Diva, une coproduction de Exhibitions and Media art pour Western Front (Vancouver, CB).

— 2 impressions sur papier, 89,5 cm x 70 cm chacune

Cette pièce met en scène Belle Sauvage, un personnage ironique récurrent de Lori Blondeau créé dans le contexte d'une commande de la Dunlop Gallery en 1998. Depuis, Belle Sauvage a évolué à travers une série de performances en direct et diverses mises en scène photographiques, comme ces deux pièces. Ce personnage lui a permis d'analyser de manière critique et de renverser le pouvoir des stéréotypes sur l'identité des peuples autochtones. Bien que ces performances aient été réalisées avec humour et ironie, elle a employé ce personnage fictif pour raconter des histoires réelles qui témoignent du poids traumatique du colonialisme sur sa famille et sur sa communauté élargie. Belle Sauvage est une cowgirl qui, à travers ses voyages, se confronte au regard colonial du Far West (terme qui, en lui-même, véhicule l'idée de sauvagerie attribuée aux peuples autochtones qui ont tenté de résister à l'invasion coloniale). Cette œuvre emprunte à l'esthétique vaudevillesque, une forme qui a contribué à faciliter et à diffuser certaines idéologies de conquête des terres « disponibles » dans l'Ouest. Sur la photo, Belle Sauvage, vêtue de sa tenue de cowgirl, se tient debout, pistolet à la main et fume, comme si elle réfléchissait à son prochain coup. Un texte écrit au bas de l'image indique en élégantes lettres cursives : « Plus ils étaient en phase avec leur époque, plus ils buvaient… ». Blondeau a emprunté cette remarque à un documentaire sur les premières installations coloniales dans l'État de New York. Le « ils » dont il est question fait référence au peuple autochtone colonisé et « l'époque » est celle de l'occidentalisation. Comme le souligne Blondeau, l'alcool a été introduit dans la population autochtone à une époque où les modes de vie autochtones étaient menacés d'éradication. In Tune With The Times est une œuvre allusive ancrée dans une réalité sombre et troublante, dont les répercussions se font encore sentir aujourd'hui.

Avec l'aimable permission de la Kenderdine Art Gallery | College Art Galleries | Collection d'art de l'Université de Saskatchewan.

— 14 impressions à jet d'encre sur papier, 61 cm x 61 cm chacune

Initialement une performance en direct, Grace a été adaptée pour inclure ami·es et famille dans cette série de quatorze images photographiques. C'est l'une des très rares fois où l'artiste intègre un groupe dans son travail. Ici, elle transforme la singularité du « soi » performatif en une communauté multiforme. Ce faisant, elle souligne que les histoires qu'elle transmet par ses performances ne sont pas exclusivement les siennes, pour elle ou issues de sa famille, mais des histoires plus vastes et plus lointaines. Photographiée sur fond noir, chaque figure de l'image est centrée dans son cadre respectif et présente alternativement un geste de la main orienté vers l'intérieur et vers l'extérieur. Les gestes suggèrent à la fois que la personne se cache pour se protéger et qu'elle repousse le regard de l'observateur. Vus tous ensemble, les mouvements en alternance créent un chœur chorégraphique de symboles talismaniques, volontairement compréhensibles que par la communauté de personnes qui les ont créés.

Avec l'aimable permission de la Kenderdine Art Gallery | College Art Galleries | Collection d'art de l'Université de Saskatchewan.

— Documentation de la performance, 17 min. 54 sec.

Sisters documente une série de gestes rituels performés par Lori Blondeau devant un public dans une galerie. L'artiste met en scène des activités domestiques quotidiennes des femmes autochtones qu'elle a côtoyées dans son enfance. À travers diverses actions, telles que broyer des baies de cerisier entre des pierres et préparer le poisson pêché pour le cuisiner, elle préserve les connaissances et des traditions matrilinéaires de sa famille. Elle témoigne de la résistance de cette histoire familiale malgré les effets destructeurs du système des pensionnats auxquels sa mère a été soumise. Par le biais d'une communication culturelle symbolique, Blondeau transmet, entretient et encourage des modes d'existence autochtones non coloniaux.

Performance présentée dans le cadre de la Rencontre internationale d'art performance de Québec organisée par Le Lieu - centre en art actuel.

— Documentation de la performance, 29 min. 32 sec.

States of Grace est un enregistrement vidéo d'une performance que l'artiste a présenté initialement à la Mandel Art Gallery avec divers accessoires de scène. Pour la Biennale de Venise en 2007, elle a reconstitué la performance à l'extérieur où elle a performé pendant cinq jours, juste avant le coucher du soleil. Vêtue d'une luxuriante robe dorée, l'artiste est assise sur un siège en forme de trône au milieu d'une voie publique à la biennale. Elle est encerclée par des cierges symbolisant les différentes notions du mot « grâce » — l'une qui lui est imposée et l'autre qu'elle aborde comme stratégie de survie. La voix monotone de l'artiste est diffusée pendant la performance et raconte une série de sept histoires : une sur la naissance de ses quatre enfants, une sur le passage du temps et des histoires sur la mort. Dans chaque récit, elle tourne ses paumes ouvertes vers l'intérieur et vers l'extérieur, loin de son visage — un geste pouvant être interprété comme le contraste entre les états de grâce face à la perte et la célébration de la vie.

Performance présentée dans le cadre du projet Requickening avec l'artiste Shelly Niro lors de la 52e Biennale de Venise.

— Photographie numérique, 152,4 cm x 111,8 cm

Cette œuvre fait partie de la série du même nom, Asinîy Iskwew, qui se traduit par « Femme de pierre » en cri, la langue ancestrale de l'artiste. Dans cette photographie monumentale, nous voyons Lori Blondeau se dressant majestueusement, enveloppée dans un drapé de velours rouge vif. Une plateforme de pierres donne à sa stature une présence imposante. Elle évite le regard du spectateur en regardant calmement au-delà du présent et vers l'horizon lointain. C'est comme si elle contemplait l'avenir tout en étant maintenue par les formations de la terre qui fortifient sa résilience matrilinéaire. L'œuvre reconnait la valeur sacrée des rochers, gardiens de la mémoire et des histoires collectives. Le site sur lequel se trouve Blondeau est un lieu de rassemblement cérémonial significatif pour les peuples des Plaines et cette œuvre est sa façon de valoriser le savoir historique qu'il renferme en dépit de l'intrusion coloniale.

Avec l'aimable permission de Biennale d’art contemporain autochtone (BACA) et de l'artiste.